Un’occasione per scoprire gli scatti di Anastasia Samoylova: dal 22 ottobre al 7 febbraio 2027, le Gallerie d’Italia – Torino presentano la mostra “Anastasia Samoylova. Harbor”, prima personale in Italia dell’artista, realizzata su committenza originale di Intesa Sanpaolo e curata da Emanuela Mazzonis di Pralafera. Attraverso oltre sessanta fotografie, l’artista esplora sette città portuali europee – Genova, Venezia, Rotterdam, Marsiglia, Lisbona, Atene e Istanbul – osservando i porti come luoghi in cui si intrecciano le dinamiche del commercio globale, le trasformazioni del paesaggio urbano e le relazioni tra attività umane e ambiente. In “Harbor”, il porto è molto più di un’infrastruttura destinata al transito delle merci: è un paesaggio in continua trasformazione, in cui si rendono visibili le conseguenze della globalizzazione e le tensioni tra sviluppo economico, innovazione tecnologica e memoria dei luoghi. Terminal, gru, container, magazzini e macchinari compongono scenari segnati dalla dimensione industriale e dalla crescente automazione. Lo sguardo di Samoylova si sposta anche sulle persone che vivono e attraversano questi spazi. Nei cantieri navali, il lavoro degli operai impegnati nella manutenzione delle imbarcazioni restituisce visibilità alle attività indispensabili al funzionamento dei porti. Immagini dedicate ai visitatori e ai passeggeri delle navi da crociera mostrano il volto turistico dei waterfront contemporanei ma, allo stesso tempo, dietro l’apparente efficienza e attrattività di questi spazi, restano le storie del lavoro precario, delle migrazioni e delle trasformazioni sociali che ne accompagnano lo sviluppo. Il lavoro di Samoylova si colloca nel solco della fotografia documentaria, sviluppando tuttavia un linguaggio personale, rigoroso e poetico. La ricerca si confronta con due importanti riferimenti della storia della fotografia: Germaine Krull, pioniera di uno sguardo moderno sul paesaggio industriale, e Luigi Ghirri, che ha trasformato l’osservazione dei luoghi quotidiani in una riflessione sul rapporto tra immagine e realtà. In questo dialogo tra passato e presente, “Harbor” sviluppa una lettura originale delle città portuali europee, dove la memoria storica si intreccia con le trasformazioni economiche, tecnologiche e culturali del nostro tempo. Le immagini di “Harbor” restituiscono così la complessità dei paesaggi portuali contemporanei, sospesi tra dimensione industriale e attrazione turistica, tracce del passato e promesse di sviluppo. Nell'ultima sala, una proiezione realizzata appositamente per la mostra mette in dialogo le fotografie di Samoylova con una composizione musicale originale di Clive Chang – compositore e pianista di formazione classica, nonché presidente di YoungArts, un'organizzazione non profit nazionale che individua e sostiene giovani artisti in tutti gli Stati Uniti. (gci)

“TRASFIGURAZIONE DEL RICORDO”: AD ALBISSOLA MARINA (SV) L’ARTE COME MEMORIA VIVA

Un percorso che indaga la memoria come materia viva, mutevole e in continua trasformazione: la mostra “Trasfigurazione del ricordo” – a cura di Matteo Galbiati e Livia Savorelli – riunisce, per la prima volta in un progetto unitario specifico, le ricerche artistiche di Monica Carrera, Francesco Fossati e Massimo Levati. Gli artisti sono stati selezionati dalla giuria della X edizione di Arteam Cup, premio d’arte contemporanea organizzato da Arteam – associazione culturale che da oltre venticinque anni opera nel mondo dell’arte e della cultura, con sede ad Albissola Marina (SV) – quali superfinalisti della kermesse, che ha visto decretare quale vincitrice assoluta Monica Carrera. La mostra premio concessa da Albissola Marina – con il Patrocinio e il contributo del Comune – negli spazi del Centro Esposizioni MuDA, oggetto di una recente ristrutturazione, coglie ed indaga affinità poetiche, tangenze, connessioni stiliste e tematiche. Monica Carrera sviluppa da anni una ricerca in cui intreccia fotografia, collage e installazione, trasformando immagini e oggetti – come saponette, stoffe, pagine di diario, ricami – in strumenti di indagine della dimensione umana. Nella ricerca di Francesco Fossati, la materia naturale custodisce tracce e trasformazioni di processi che avvengono senza un possibile controllo. Gli elementi vegetali poi, con le loro forme e impronte, si sottraggono alla dimensione meramente organica per acquisire, in questo modo, una nuova presenza visiva. È la carta il materiale essenziale del paziente lavoro di Massimo Levati: questa, però, perde la sua funzione di semplice supporto per la scrittura o per la definizione di immagini disegnate o dipinte, per diventare essa stessa materia viva, fragile e vulnerabile. Attraverso tagli, incisioni, perforazioni e intrecci tutti eseguiti con un certosino intervento manuale, l’artista trasforma la superficie in una trama di ferite e tensioni, evocando, per metafore, la complessità del corpo e dell’esperienza umana o di quello che lo circonda. Il ricordo si rivela nelle loro pratiche non come una testimonianza immutabile, ma come un processo poetico e soggettivo, in cui percezione, immaginazione e tempo si intrecciano, dando origine a quelle nuove possibilità per ogni visione di affiorare davanti al nostro sguardo per sollecitare la nostra sensibilità in un costante processo trasfigurante e rigenerativo. (gci)

L’ILLUSTRAZIONE AL CENTRO CON “RIMINI. RINASCIMENTI”

Una città rinasce quando trasforma la propria memoria in uno spazio condiviso di conoscenza e di progetto. È con questa visione che, dallo scorso 30 ottobre fino al 10 gennaio 2027, i Palazzi dell'Arte di Rimini accolgono la grande mostra "Rimini. Rinascimenti. Illustrare il mondo, disegnare il futuro", a cura di Ale Giorgini e di Giovanni Carlo Federico Villa, direttore di Palazzo Madama di Torino. Promossa dal Comune di Rimini con il contributo della Regione Emilia-Romagna, nata da una ricerca sviluppata da Palazzo Madama – Fondazione Torino Musei e prodotta da MondoMostre, l’esposizione pone al centro la straordinaria potenza dell’illustrazione: un linguaggio immediato e profondo, capace di selezionare il nucleo essenziale delle grandi questioni civili e tradurlo in immagini che danno forma alla memoria e dischiudono il futuro. Gli illustratori italiani sono oggi protagonisti sulle principali testate, nelle case editrici e nelle istituzioni culturali internazionali, ciascuno con un linguaggio personale. Nata per mostrare come l'arte figurativa sappia guidare le comunità nei momenti di trasformazione, la mostra articola la propria narrazione attraverso quattro nuclei, ovvero “SELINUNTE (Fondare)”, “EUROPA (Convivere)”, “CHANGE! (Cambiare)” e “RIMINI (Rinascere)”, e ben 73 opere, unendo tre corpus già affermati a un grande progetto inedito. La mostra restituisce la ricchezza del nuovo Rinascimento dell’illustrazione italiana attraverso una pluralità di voci e poetiche personali riunendo autori di respiro internazionale, uniti da percorsi che valicano i confini nazionali, operando tra l'Italia e metropoli globali come New York, Berlino, Parigi, Barcellona e Tolosa. La selezione affianca ai maestri affermati e ai talenti riminesi la nuova generazione di creativi, con giovanissime promesse come Margherita Caspani e Stefania Sbrighi (classe 1999) e profili già consacrati da Forbes nei "30 Under 30 Europe" come Andrea Mongia. A testimoniare il prestigio degli artisti in mostra sono le loro collaborazioni con le più importanti icone dell'editoria mondiale – da The New Yorker, The New York Times, Le Monde e The Guardian fino a brand globali come Apple, Nike, Gucci, Barilla, Hermès e IKEA –, e importanti riconoscimenti internazionali, tra cui le Medaglie d'Oro della Society of Illustrators di New York, il Fauve d’Or di Angoulême e il premio Gran Guinigi di Lucca Comics. “Rinascimenti” dimostra così come un'immagine possa diventare bene comune e strumento per leggere il presente. A Rimini, gli sguardi degli artisti italiani si incontrano con quelli degli illustratori del territorio, restituendo la complessità di una comunità che continua a ridefinire la propria identità. La mostra è accompagnata da un catalogo edito da Silvana Editoriale. (gci)

UN’ESPOSIZIONE PER RACCONTARE I LEONI DI FIRENZE

Da secoli il leone custodisce simbolicamente Firenze, ne rappresenta la forza, l'indipendenza e il potere civico. La sua immagine attraversa la storia della città, dalle sculture che presidiano piazze e palazzi alle decorazioni degli edifici pubblici, fino a diventare uno degli emblemi più riconoscibili dell'identità fiorentina. A questa figura, e al suo profondo legame con la storia politica, artistica e culturale della città, è dedicata “I leoni di Firenze”, la mostra ospitata dallo scorso 27 ottobre fino al 18 gennaio 2027 nella Sala dei Gigli del Museo di Palazzo Vecchio. L'esposizione, promossa da Comune di Firenze – Musei Civici Fiorentini e organizzata da Fondazione MUS.E, è curata da Carlo Francini e Valentina Zucchi e realizzata in collaborazione con GAMB – Galleria dell'Accademia di Firenze e Musei del Bargello. Il progetto invita a riscoprire il leone non soltanto come soggetto artistico e decorativo, ma soprattutto come simbolo attraverso il quale Firenze ha costruito e rappresentato, nel corso dei secoli, la propria identità. Una storia che trova la sua espressione più significativa nel Marzocco, il leone simbolo della Repubblica fiorentina, incarnazione della sovranità, della libertà e della dignità cittadina. Non è un caso che il percorso espositivo abbia il proprio fulcro in Palazzo Vecchio, cuore storico del governo cittadino e luogo privilegiato della rappresentazione del potere civico. La Sala dei Gigli, uno degli ambienti più emblematici del palazzo, diventa così parte integrante del racconto: le opere esposte dialogano con le architetture, le decorazioni e le immagini leonine già presenti nella sala, mostrando come il leone sia stato nei secoli un potente strumento di comunicazione politica e di autorappresentazione della città. Attraverso sculture, dipinti, manufatti e documenti, la mostra riunisce testimonianze di epoche differenti, dall'età romana all'età moderna, restituendo la ricchezza di significati che questa figura ha assunto nel tempo. Il pubblico dotato del biglietto di Palazzo Vecchio potrà beneficiare della riduzione per l’ingresso al Museo Nazionale del Bargello, dove troverà un percorso tematico centrato sulle più importanti opere con raffigurazioni leonine ivi presenti. Analogamente, anche all’ingresso del Museo Stefano Bardini i visitatori saranno dotati di una mappa che individua le decine e decine di leoni collezionate dall’antiquario, che ben rappresentano la fortuna dell’iconografia leonina dall’antichità ai giorni nostri. Per approfondire la conoscenza della mostra sono previste visite guidate specifiche tutte le domeniche alle 15, mentre ai più piccoli è dedicata la storia Marzocco. (gci)

A TRIESTE LA PERSONALE DI JACK VETTRIANO

Dopo i successi delle rassegne di Bologna, Milano e Roma, con oltre 80.000 visitatori, il Salone degli Incanti di Trieste, dallo scorso 29 ottobre fino al 2 maggio 2027, ospita la retrospettiva di Jack Vettriano (1951-2025), uno dei pittori più amati dal grande pubblico internazionale, insignito dalla Regina Elisabetta II dell’onorificenza OBE (Ordine dell’Impero britannico). La mostra, promossa dal Comune di Trieste e organizzata da Chiara Campagnoli, Deborah Petroni e Rubens Fogacci di Pallavicini S.r.l., con la curatela di Francesca Bogliolo e la presentazione di Pietro Franca, è stata resa possibile grazie al sostegno istituzionale e organizzativo dell’Amministrazione comunale. Il progetto si avvale dell’importante collaborazione con Jack Vettriano Publishing, che continua a sostenere il tour italiano. La rassegna offre un viaggio intimo e straordinario nell’universo visivo di Jack Vettriano, uno degli artisti più amati, collezionati e riprodotti dei nostri tempi, attraverso oltre 80 opere, tra dipinti, lavori su carta, fotografie e materiali audiovisivi, ideato e voluto da Vettriano stesso per far conoscere da vicino l’evoluzione della sua ricerca e l’essenza dei suoi soggetti più celebri e per condividere la sua arte con il grande pubblico che lo ha sempre sostenuto e reso celebre. La sua carriera, osteggiata dalla critica d’arte ufficiale, che probabilmente non gli perdonava la sua formazione da autodidatta e che lo accusava di riproporre un’estetica leggera, ha avuto tuttavia grande successo tra gli appassionati di pittura che gli riconoscono una spiccata capacità di creare atmosfere evocative in grado di suscitare emozioni intense e l’abilità nel catturare momenti di elevata sensualità. A testimonianza di ciò, uno dei suoi lavori più famosi, Il maggiordomo che canta (The Singing Butler), nel 2004, è stato battuto da Sotheby’s per quasi 750.000 sterline. Il progetto espositivo, esplicitamente dedicato da Vettriano all’Italia, offre al pubblico l’opportunità, quasi unica, di ammirare, tutti riuniti assieme, otto dipinti a olio. La pittura ad olio di Vettriano è da sempre rara e preziosa: lungo tutta la sua carriera, infatti, ha realizzato un numero limitato di tele - tra le 150 e le 180 unità -, custodite perlopiù in collezioni private; anche nelle raccolte pubbliche e nei musei scozzesi è raro, tuttavia, trovare più di due o tre oli riuniti contemporaneamente. L’allestimento, appositamente pensato per lo spazio di Trieste, si articola in otto sezioni tematiche, tra cui un’ampia area dedicata alle opere su carta. Il percorso espositivo si completa con la sezione che documenta il ciclo di fotografie realizzato nello studio dell’artista da Francesco Guidicini, ritrattista ufficiale del Sunday Times le cui opere sono presenti anche alla National Portrait Gallery di Londra, e con una sala video nella quale viene proiettato un filmato in cui Vettriano racconta la propria formazione e l’evoluzione del suo linguaggio pittorico. (gci)

FOTO. Immagini di allestimento a cura di Andrea Guermani.